Cómo componer una obra. Fundamentos de la musica

Cómo componer una obra. Fundamentos de la musica

Crear música o composición es un proceso creativo que debe basarse en la teoría de la música. La estructura de la obra tiene una lógica constructiva clara. Algunas obras maestras de los clásicos del mundo se calculan literalmente matemáticamente. No por casualidad en la antigua Grecia, la música era parte de una serie de ciencias matemáticas.

Un gran error es la afirmación de que los grandes compositores compusieron sus propias obras bajo la influencia de la inspiración. Genios de la música: Bach, Haydn, Beethoven, Mahler, Rachmaninov asignaron tiempo para la composición todos los días.

Esta página ayudará al músico no solo a aprender cómo crear música profesional, sino también a comprender la terminología básica, en particular, utilizada en el análisis. Se desmontarán los programas necesarios para escribir partituras musicales, se propondrán ejercicios para dominar la técnica de composición y se dará un plan sobre cómo componer una pieza musical.

¿De qué está hecha la música?

En términos generales, la música es una secuencia de sonidos en un cierto ritmo, que tiene un colorido emocional. La mayoría de las veces el trabajo contiene los siguientes elementos:

• Melodía

• La armonía

• Forma

Considere cada concepto con más detalle.

Que es una melodía

La melodía es un pensamiento musical monofónico. Hay recomendaciones con respecto a la estructura de la línea melódica:

• Principio de equilibrio. No sobrecargue la línea melódica. Si desea que el oyente recuerde rápidamente el material, entonces es necesario observar el principio de equilibrio. Consiste en la complementariedad del sistema de ritmo y entonación. Si el patrón de entonación incluye elementos que son difíciles de percibir, como saltos a intervalos amplios, la presencia de melismáticos, desviaciones o modulaciones, y otros factores de complicación, entonces se debe usar un ritmo simple. Si la melodía de la entonación es simple, entonces se graba un ritmo más complejo.

• El principio de la onda melódica. Melodía perfectamente percibida, construida sobre la alternancia de movimientos hacia arriba y hacia abajo.

• Unidad de la entonación. El tema musical puede contener entonaciones iniciales (intervalos). Ejemplos vívidos de obras basadas en una segunda entonación son el Requiem de Mozart (Lacrimosa), el tema principal de la parte I del Concierto para piano nº 2 de Rachmaninov.

Vale la pena señalar que la melodía no tiene que ejecutarse en los registros superiores, también puede estar en el bajo u otra voz.

Para escribir una melodía verdaderamente expresiva y hermosa necesitas:

1. Presentar una imagen artística que necesita encarnarse en la música. Hágase preguntas: ¿composición instrumental o vocal? Que personaje Todas estas preguntas determinarán los medios de expresión. En una de las secciones del artículo, los medios de expresividad se examinan en detalle.
2. Improvisar Juega más y escucha. Muchos músicos encuentran una excelente línea melódica solo con improvisación. Las opciones más interesantes pueden no aparecer inmediatamente.
3. Si la improvisación es difícil, intente componer especialmente unas cuantas melodías emocionales similares. Grabe en una grabadora o en un cuaderno.
4. Cambio Tome un tema específico de su composición, intente cambiar algo en ella, por ejemplo, una nota, fragmento o clave. Escucha, se puso mejor.
5. Analizar otras obras. Tenga en cuenta los medios de expresión utilizados por el compositor en las melodías que le gustan. Esto ayudará a entender qué suena bien y qué es malo.

Si creas una pieza clásica, entonces la melodía necesita ser desarrollada. Hay varias formas de desarrollo melódico:

1. El desarrollo le permite dividir el tema, así como secuenciarlo (Secuencia - repetición consistente de material musical en un nivel de tono diferente).
2. Polifónico implica el uso de la imitación canónica.
3. Variacional permite cambios leves en la melodía, al tiempo que conserva la armonía y la forma originales.
4. El método de la variante se basa no solo en el cambio en la melodía, sino también en la armonía y, en consecuencia, la forma que une la estructura de la entonación.
5. La transformación de género implica un cambio en el género subyacente. Por ejemplo, el tema era un género familiar y se convirtió en un coro.

Con la complicación del tejido musical se permitió la combinación de formas de desarrollo. En música instrumental, arpegios, pasajes y otros movimientos de formas generales se pueden utilizar como desarrollo material, lo que permitirá diversificar la composición.

La armonía

Harmony te permite combinar sonidos en consonancia, que, a su vez, forman una secuencia. Los acuerdos en este sentido están representados por intervalos y acordes. Los giros armónicos más frecuentes en la composición son característicos del acompañamiento.

En pocas palabras, el acompañamiento es un acompañamiento de una melodía. La textura se define como un espacio lleno de sonidos que tiene un desarrollo. Hay varios tipos de facturación en el acompañamiento:

1. Acorde La base de los acordes de textura en la presentación rítmica.
2. Figuras Hay sonidos armónicos: los sonidos de los acordes son consistentes y las figuraciones melódicas: la ejecución secuencial de los sonidos de los acordes con la adición de sonidos no acordes.
3. Bajo Albertiev rítmicamente bajo descompuesto rítmicamente. En algunos casos, se percibe como una doble voz oculta.
4. Polifónico o polifónico tiene varias voces relativamente independientes.

Es recomendable prescribir revoluciones armónicas justo después de la melodía, en forma de cámaras digitales. Es importante recordar que los estilos históricos específicos se caracterizan por su propio impulso. Históricamente, hubo varias áreas en esta ciencia:

• Barroco

• Clásico

• Romantico

• Impresionista

• El jazz

• Moderno

Cada área tiene una serie de reglas que no se recomienda romper cuando se escribe en este estilo.

La forma y el papel de las repeticiones.

Asegúrese de cumplir con el formulario. Sin esto, la pieza se deshará. Para cada tipo de trabajo hay una cierta forma. El mundo de la música moderna presenta una variedad de formas, tanto en la música vocal como en la instrumental. Los modelos más comunes son:

• Una simple dos partes consta de dos secciones internas, mientras que en la segunda parte se repite un pequeño fragmento de la primera, que se desarrolla de manera diferente.

• Un simple repurse de tres partes (da capo) consta de tres partes. En este caso, el segundo contrasta con el primero, el tercero es una repetición del primero.

• La sonata se basa en el contraste tonal de los temas de exposición diseñados estructuralmente, el desarrollo se lleva a cabo en la sección de diseño y los temas se combinan en una repetición.

• Variaciones: un modelo basado en un cambio múltiple del tema original.

• Verso y coro se utilizan en la música vocal.

Se permite la síntesis entre formas..

No tengas miedo de dar forma a las repeticiones. El pensamiento de una persona absorbe mejor la información repetitiva. En la música clásica puedes encontrar un uso similar de las repeticiones:

• El leitmotiv se utiliza para obras sinfónicas o teatrales con dramas pronunciados.

• Leitteme es un sujeto que actúa como actor.

• La conformación se repite característica de ciertos modelos de compositor.

En la música popular contemporánea, los compositores también utilizan activamente las repeticiones. Así que el coro guarda música y texto. En los versos solo cambian las palabras. La música electrónica también está llena de repeticiones, un ejemplo es la composición con muestras.

Drama

La música se refiere a una serie de artes que deben evocar una respuesta emocional del oyente. De lo contrario, la composición musical no será popular. Al componer una canción es importante recordar el papel de la dramaturgia. Hay varias opciones para el desarrollo dramático:

1. El concepto trágico tiene un conflicto.

2. Las letras contemplativas no tienen conflicto, los principios estéticos prevalecen.

Cada una de estas opciones tiene innumerables subcategorías, por lo que no nos detendremos en ellas en detalle. Es importante entender que, en cualquier caso, debe haber un clímax. Hay varias variedades de clímax, dependiendo de su ubicación en la composición:

1. La fuente superior está al principio. Característica de las obras líricas.

2. El medio o en el punto de la sección dorada es más popular en las obras románticas, por lo que te permite crear una atmósfera de tensión.

3. El horizonte superior está al final de la pieza. Deja al oyente un sentido de subestimación, incompletitud. Tiene un fuerte efecto emocional.

En una pieza musical, el clímax se acompaña de las siguientes características:

• Ampliación del rango de melodía (generalmente el sonido más alto en todo el trabajo)

• Sello de factura

• Dinámica incrementada

El compositor debe pensar necesariamente en los clímax. En una obra puede haber varios puntos culminantes. Si un ensayo incluye varios instrumentos, desde el punto de vista del arte dramático, es necesario introducirlos gradualmente para no sobrecargar la textura.

Medios de expresion

El lado del contenido de la composición permite personalizar los medios de expresividad. Estos incluyen:

• La tonalidad influye fuertemente en el trabajo, algunas tonalidades en la música clásica tienen su propio significado. Por ejemplo: Des-dur es una expresión del amor verdadero.

• Niño Las más comunes son las principales, que se utilizan para expresar imágenes más ligeras y líricas, y una menor con un matiz más dramático.

• La presencia de melismatika o falta de ella.

• La inclusión de los símbolos musicales. Especialmente característico de las composiciones en el estilo barroco.

• Timbres instrumentales. Cada timbre tiene su propio color y rango en el que suena más eficazmente.

Al componer una obra, es necesario experimentar con los medios de expresión, cambiando la tonalidad, el modo, agregando o eliminando melisma.

Ejercicio

Hay una serie de ejercicios y tareas para ayudar a dominar la composición:

1. Análisis de las obras de otros compositores. Antes de escribir un trabajo en un estilo particular, debe ver cómo lo hacen los profesionales. Selecciona por ti mismo las técnicas más exitosas e intenta ponerlas en práctica.

2. Elige un texto o poema con un brillante colorido emocional. Analizar Intenta improvisar, recreando el ambiente en el texto. Lo mismo se puede hacer utilizando imágenes artísticas en pintura.

3. Elija un formulario específico e intente escribirlo usando todas las reglas.

4. Toca escalas, pasajes, acordes, trata de modular. Todas las habilidades prácticas seguramente serán útiles a la hora de componer.

5. Comprometerse en la selección de otras obras musicales, le dará una base para la formación de un oído musical y mejorará la técnica de tocar el instrumento.

6. Mejora tu conocimiento de la teoría musical.

Programas para el conjunto de notas al componer composiciones musicales.

Sibelius 8 es uno de los mejores editores de música que se han probado en el mercado global de software para músicos, compositores y arreglistas profesionales.

La funcionalidad de este programa incluye:

• Un gran conjunto de plantillas integradas.
• La posibilidad de establecer el marcado de la página.
• Disponibilidad de herramientas necesarias.
• Varias formas convenientes para establecer notas
• Función MIDI disponible
• Puedes escuchar la cancion
• Actualizaciones constantes

Sibelius es un programa útil tanto para compositores novatos como para profesionales.

Similar en funcionalidad es MuseScore 2.

Nota: en muchos editores de música moderna hay una función para escuchar el texto recibido, además, puede guardar el archivo como una grabación de audio en varios formatos. La única desventaja de tales grabaciones de audio es la mala calidad del sonido, que no transmite el timbre. Por lo tanto, si el autor desea obtener el sonido de la más alta calidad, debe utilizar un software de grabación especializado, como FL Studio 12, Mixcraft 8 o Audacity. La grabación se puede hacer en instrumentos virtuales y usando un teclado MIDI.

Resumen: Plan de composición

Musica instrumental:

1. Improvisación y composición de la melodía;
2. Análisis de la naturaleza de la melodía;
3. La elección de una forma musical capaz de expresar el carácter de una melodía;
4. Desarrollo del drama: clímax;
5. Extraer velocidad armónica en la factura seleccionada. Si es necesario, la inclusión de desviaciones, modulaciones;
6. Organización o instrucción (según sea necesario);
7. Una mirada crítica al trabajo;
8. Ajuste (si es necesario).

Musica vocal:

1. La elección de un poema o texto;
2. La elección de la forma musical;
3. Análisis del estado de ánimo del texto;
4. Definición de clímax en el texto;
5. Escribiendo melodía vocal;
6. Creación de un plan armónico en bruto;
7. La elección de la textura que corresponde al contenido;
8. Extraer momentos culminantes en la música;
9. Como arreglo necesario;
10. Vista crítica (pista de reproducción después de un rato);
11. Ajuste

Espero que el artículo te haya ayudado a entender. como componer una pieza musical. Probalo Mejora tus propias habilidades de composición. Busca un estilo individual. ¡Te deseamos éxito creativo!