A.M FILCHENKOV
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Mi sueño es ver el futuro de la música.
Los sonidos mágicos de la música (columpios alados) debido al genio de la humanidad se elevaron por encima del cielo. ¿Pero este cielo siempre ha estado sin nubes para la música? "¿Solo alegría por delante?", "¿No conocer obstáculos?" Al crecer, la música, como la vida humana, como el destino de nuestro planeta, vio cosas diferentes ...
La música, la creación más frágil del hombre, más de una vez en su historia ha sido probada. Pasó a través del oscurantismo medieval, a través de guerras, centenarios y relámpagos, locales y mundiales. Caminó a través de la revolución, la pandemia, la "guerra fría". Las represiones en nuestro país rompieron el destino de muchas personas creativas, pero también silenciaron algunos instrumentos musicales. Fue reprimido ... la guitarra.
Y sin embargo, la música, aunque con una pérdida, pero sobrevivió.
No menos difíciles para la música fueron los períodos ... de una existencia próspera y sin nubes de la humanidad. En estos años felices, como creen muchos científicos culturales, nacen menos genios. ¡Menos que en una era de agitación social y política! Entre los científicos existe la percepción de que el fenómeno del nacimiento de un genio es paradójico debido a su dependencia no lineal de la "calidad" de la era, el grado de su favor a la cultura.
Entonces, la música de Beethoven nació en un momento de tragedia para Europa, se originó como una "respuesta" a la terrible y sangrienta era de Napoleón, la era de la Revolución Francesa. El despegue cultural ruso del siglo XIX no tuvo lugar en los paraísos del Edén. Rachmaninov continuó creando (aunque con grandes descansos) fuera de su amada Rusia. En su destino creativo la revolución golpeó. Andrés Segovia Torres salvó y magnificó la guitarra en los años en que la música en España se estaba asfixiando. Su tierra natal perdió en la guerra la grandeza del poder del mar. Poder real rockeado. La tierra de Cervantes, Velásquez, Goya sufrió la primera batalla mortal con el fascismo. Y perdido ...
Por supuesto, sería cruel incluso hablar de modelar una catástrofe sociopolítica con un solo objetivo: despertar a un genio, crear un ambiente nutritivo para él, actuar según el principio "cuanto peor, mejor". Y, sin embargo, la cultura puede ser influenciada sin recurrir al escalpelo. Una persona es capaz de ayudar a la música.
La música es un fenómeno apacible. Ella no sabe cómo luchar, aunque puede luchar contra la Oscuridad. La música necesita nuestro aporte. Ella es sensible a la benevolencia de los gobernantes, el amor humano. Su destino depende del trabajo dedicado de los músicos y, en muchos sentidos, de los maestros de música.
Como profesora de la escuela de música infantil. Ivanova-Kramskoy, yo, como muchos de mis colegas, sueño con ayudar a los niños a navegar con éxito en el camino hacia la música en las desafiantes condiciones actuales de reforma del sistema de educación musical. La música y los niños, y también los adultos, no son fáciles de vivir en una era de cambio.
La época de las revoluciones y las reformas ... Nos guste o no, no podemos dejar de responder a los desafíos de los tiempos. Al mismo tiempo, al desarrollar nuevos enfoques y mecanismos para responder a los problemas globales, es importante no solo guiarse por los intereses de la humanidad y nuestro gran país, sino también no perder de vista los sueños y las aspiraciones del "pequeño" músico joven. ¿Cómo, entonces, si es posible, reformar sin dolor la educación musical, preservar lo antiguo útil, rechazar (o reformar) lo obsoleto, lo innecesario? Y esto debe hacerse, dados los nuevos imperativos de nuestro tiempo.
¿Y por qué necesitamos reformas? De hecho, muchos expertos, aunque no todos, consideran que nuestro modelo de educación musical es muy efectivo.
Todos los que vivimos en nuestro planeta en diferentes grados, se enfrentan (y seguramente enfrentarán en el futuro) con los problemas globales de la humanidad. Este es el problema de proporcionar recursos a la humanidad (industrial, agua y alimentos), y el problema del desequilibrio demográfico que puede llevar a una "explosión", hambruna y guerras en el planeta. La amenaza de la guerra termonuclear se cernía sobre la humanidad. Más que nunca, el problema de preservar la paz es agudo. Se avecina un desastre ecológico. El terrorismo Epidemias de enfermedades incurables. El problema es norte-sur. La lista puede continuar. En el siglo XIX, el naturalista francés J.-B. Lemark bromeó: "Hombre, este es el tipo de persona que se destruirá a sí mismo".
Muchos expertos nacionales y extranjeros en el campo de los estudios culturales musicales ya han notado el creciente impacto negativo de algunos procesos globales sobre la "calidad" de la música, la "calidad" de una persona, la calidad de la educación musical.
¿Cómo responder a estos retos? ¿Revolucionario o evolutivo? ¿Combinar los esfuerzos de muchos estados o luchar uno por uno? ¿Soberanía cultural o cultural internacional? Algunos expertos ven una salida de la situación en la política de globalización de la economía, el desarrollo de la división internacional del trabajo y la profundización de la cooperación mundial. En la actualidad, este es quizás el modelo dominante, aunque no indiscutible, del orden mundial. Es importante tener en cuenta que no todos los expertos están de acuerdo con los métodos de prevención de catástrofes mundiales sobre los principios de la globalización. Muchos expertos pronostican la aparición en el futuro previsible del modelo neoconservador de la construcción del mundo. En cualquier caso, la solución de muchos problemas se ve en la consolidación de los esfuerzos de las partes en conflicto sobre la base de principios científicos, reformas graduales, consideración mutua de opiniones y posiciones, y la prueba de diferentes enfoques basados en experimentos, en los principios de rivalidad constructiva. Tal vez, por ejemplo, sería aconsejable crear modelos alternativos de escuelas de música para niños, incluso de manera autosuficiente. "¡Que florezcan cien flores!" También es importante buscar compromisos en temas de prioridades, objetivos y herramientas para la reforma. Es aconsejable liberar, en la medida de lo posible, una reforma del componente político, cuando las transformaciones no se usan tanto para la música en sí, sino para los intereses de grupos de países, en los intereses corporativos como una herramienta para debilitar a los competidores.
Los nuevos enfoques para resolver los desafíos que enfrenta la humanidad dictan sus requisitos para los recursos humanos. El nuevo hombre moderno está cambiando. Debe cumplir con las nuevas relaciones de producción. Los criterios y requisitos para una persona en condiciones modernas están cambiando. Los niños también están cambiando. Es en las escuelas de música para niños, como el vínculo principal en el sistema de educación musical, que la misión es conocer a los "otros", "nuevos" niños y niñas, y sintonizarlos con la "tonalidad" necesaria.
A la pregunta planteada anteriormente si las reformas en el campo de la enseñanza de la música son necesarias, la respuesta, tal vez, podría formularse de la siguiente manera. Nuevos estereotipos en el comportamiento de los jóvenes, valores cambiantes, un nuevo nivel de pragmatismo, racionalismo y mucho más requieren una respuesta adecuada por parte de los docentes, el desarrollo de nuevos enfoques y métodos para corregir y adaptar al estudiante moderno a las exigencias tradicionales, probadas por el tiempo, que hacen de grandes músicos. El "pasado" se elevó a las estrellas. Pero el tiempo nos presenta no solo los problemas asociados con el factor humano. El talento joven, sin darse cuenta, está experimentando las consecuencias de romper el viejo modelo económico y político de desarrollo, la presión internacional ...
En los últimos 25 años, desde el colapso de la URSS y el inicio de la construcción de una nueva sociedad, ha habido páginas brillantes y negativas en la historia de la reforma del sistema nacional de educación musical. El difícil período de los años noventa dio paso a un enfoque más equilibrado de las reformas.
Un paso importante y necesario en la reorganización del sistema de educación musical nacional fue la adopción por parte del Gobierno de la Federación Rusa del "Concepto para el desarrollo de la educación en el ámbito de la cultura y el arte en la Federación Rusa para el período 2008-2015". Cada línea de este documento muestra el deseo de los autores de ayudar a la música a sobrevivir y también de impulsar su desarrollo. Es evidente que los creadores del "Concepto" tienen alma para nuestra cultura y arte. Es bastante claro que es imposible, de la noche a la mañana, resolver todos los problemas asociados con la adaptación de la infraestructura musical a las nuevas realidades. Esto explica, en nuestra opinión, un enfoque demasiado técnico, no completamente conceptual, para superar los nuevos desafíos de la época. Aunque se debe reconocer que los problemas específicos de la educación artística, bien definidos (aunque incompletos), claramente orientados, orientan claramente a las organizaciones educativas del país hacia la reducción de los cuellos de botella. Al mismo tiempo, para ser justos, debe notarse que las herramientas, métodos y métodos para resolver algunos problemas en las condiciones de las nuevas relaciones de mercado no se muestran completamente. El dualismo del período de transición implica un enfoque dual ambiguo de los problemas a resolver.
Por razones obvias, los autores se vieron obligados a pasar por alto algunos elementos esenciales de la reforma de la educación musical. Por ejemplo, las cuestiones de financiamiento y apoyo material y técnico del sistema educativo, así como la creación de un nuevo sistema de remuneración de los docentes, se dejan atrás entre paréntesis. ¿Cómo en las nuevas condiciones económicas determinar la proporción de instrumentos estatales y de mercado para asegurar el crecimiento profesional de los jóvenes músicos (orden gubernamental o necesidades del mercado)? ¿Cómo influir en los estudiantes - la liberalización del proceso educativo o su regulación, el control estricto? ¿Quién domina el proceso de aprendizaje, profesor o alumno? ¿Cómo asegurar la construcción de infraestructura musical - inversión pública o iniciativa de organizaciones privadas? ¿Identidad nacional o "bolonización"? ¿Descentralización del sistema de gestión de la industria o la preservación del estricto control estatal? Y si la regulación es estricta, ¿qué tan efectiva será? ¿Cuál será la proporción de formas de instituciones educativas aceptables para las condiciones rusas: estatal, pública, privada? ¿El enfoque liberal o neoconservador?
Uno de los momentos positivos en el proceso de reforma, en nuestra opinión, fue un debilitamiento parcial (en opinión de los reformistas radicales, extremadamente insignificante) del control estatal y la gestión del sistema de educación musical. Debe reconocerse que la descentralización de la gestión del sistema se produjo más de facto que de jure. Incluso la adopción de la ley sobre educación en 2013 no resolvió este problema de manera radical. Aunque, por supuesto, muchos en los círculos musicales de nuestro país acogieron la declaración de autonomía de las organizaciones educativas, la libertad de los maestros y los padres de los estudiantes en la gestión de las organizaciones educativas (3.1.9). Anteriormente, todos los planes de estudio se aprobaron a nivel del Ministerio de Cultura y Educación, ahora las instituciones de música se han vuelto un poco más libres en el desarrollo del plan de estudios, ampliando la gama de obras musicales estudiadas, y también en cuanto a la enseñanza de las tendencias modernas en el arte musical, incluyendo jazz, vanguardia y otros
El programa de desarrollo del sistema de educación musical rusa para el período 2015-2020 y el plan de medidas para su implementación, exigido por el Ministerio de Cultura de la Federación Rusa, merece una alta evaluación. Al mismo tiempo, parece que este importante documento podría complementarse parcialmente. Comparémoslo con el programa "Las principales orientaciones de la reforma de la educación musical en los Estados Unidos para los próximos 40 años" adoptada en el simposio de Tanglewood (segundo) "Charting for Future" adoptado en los Estados Unidos en 2007. En nuestra opinión subjetiva, el documento estadounidense, a diferencia del ruso, es de naturaleza demasiado general, declarativa y de recomendación. No está respaldado por propuestas y recomendaciones específicas sobre las formas y métodos de implementación del plan. Algunos expertos justifican la naturaleza demasiado extensa del documento estadounidense por el hecho de que fue entonces cuando estalló la crisis financiera más aguda de 2007-2008 en los Estados Unidos. Crear planes para el futuro en tales condiciones es, en su opinión, muy difícil. Nos parece que la viabilidad de los planes futuros (rusos y estadounidenses) depende no solo del grado de elaboración de lo que se planeó, sino también de la capacidad de los "principales" para interesar a la comunidad musical de los dos países para apoyar los programas adoptados. Además, mucho dependerá de la capacidad de la alta dirección para lograr el resultado deseado, de la disponibilidad de recursos administrativos en el nivel superior. ¿Cómo no se puede comparar el algoritmo de toma de decisiones y su ejecución en los Estados Unidos, China y la Federación Rusa?
Como fenómeno positivo, muchos expertos consideran un enfoque cauteloso en Rusia para reformar la estructura organizativa de la educación musical. Muchos todavía creen que el modelo diferenciado de educación musical en tres etapas creado en los años 20 y 30 del siglo 20 en nuestro país es único y altamente efectivo. Recordemos que en la forma más esquemática, incluye educación musical primaria en escuelas de música para niños, educación especial secundaria en escuelas de música - escuelas y educación musical superior en universidades y conservatorios. En 1935, también se establecieron escuelas de música para niños con talento en los conservatorios. Antes de la "perestroika" en la URSS, había más de 5,000 escuelas de música para niños, 230 escuelas de música, 10 escuelas de arte, 12 escuelas de música pedagógica, 20 conservatorios, 3 institutos de música pedagógica, más de 40 facultades de música en los institutos pedagógicos. Muchos creen que la fortaleza de este sistema reside en la capacidad de combinar el principio del carácter masivo con una actitud individual ansiosa hacia los estudiantes capaces, brindándoles oportunidades para el crecimiento profesional. De acuerdo con algunos de los principales musicólogos rusos (en particular, un miembro de la Unión Rusa de Compositores, un candidato de historia del arte, el Profesor L. A. Kupets), se debe preservar una educación musical de tres etapas, habiendo sufrido solo correcciones superficiales, en particular con respecto a la graduación de ruso. Instituciones musicales de acuerdo con los requisitos de los principales centros educativos musicales extranjeros.
La experiencia estadounidense de proporcionar un alto nivel competitivo de arte musical en el país merece una atención especial.
La atención en Estados Unidos a la música es inmensa. En los círculos gubernamentales y en la comunidad musical de este país, tanto los logros nacionales como los problemas en el mundo de la música, incluso en el campo de la educación musical, se discuten ampliamente. Las discusiones extensas se limitan, en particular, al "Día de defensa del arte" que se celebra anualmente en los Estados Unidos, que, por ejemplo, tuvo lugar del 20 al 21 de marzo de 2017. En gran medida, tal atención se debe, por un lado, al deseo de preservar el prestigio del arte estadounidense y, por otro lado, al deseo de utilizar los recursos intelectuales de la música, la educación musical para mejorar la inmunidad de la sociedad en la lucha por preservar el liderazgo tecnológico y económico de los Estados Unidos en el mundo. Audiencia ante el Congreso de los EE. UU. Sobre el impacto del arte y la música en la economía del país (“El impacto económico y laboral de la industria de las artes y la música”, Audiencia ante la Cámara de Representantes, 26 de marzo de 2009) para promover la idea de utilizar más activamente las posibilidades del arte en la resolución. Las siguientes palabras del presidente Abama se utilizaron para tareas nacionales: "El arte y la música juegan un papel muy importante en la mejora de la calidad de la fuerza laboral del país, la mejora de la calidad de vida y la situación en las escuelas".
El famoso industrial estadounidense Henry Ford habló sobre el papel de la personalidad, el valor de la personalidad: "Puedes tomar mis fábricas, mi dinero, quemar mis edificios, pero déjame a mi gente, y antes de que recupere el sentido, lo restauraré todo y volveré a estar delante de ustedes ... "
La mayoría de los expertos estadounidenses creen que aprender música activa la actividad intelectual de una persona, aumenta su coeficiente intelectual, desarrolla la creatividad humana, la imaginación, el pensamiento abstracto y la innovación. Los científicos de la Universidad de Wisconsin llegaron a la conclusión de que los estudiantes de piano tocan una actividad más alta (34% más alta que otros niños) de aquellas regiones del cerebro que el hombre utiliza al máximo para resolver problemas en el campo de las matemáticas, la ciencia, la tecnología y la tecnología.
Parece que los círculos musicales en los Estados Unidos agradecerían la aparición de la monografía Kirnarskaya D.K. "Música clásica para todos". De particular interés para los expertos estadounidenses sería la siguiente declaración del autor: "Música clásica ... - cuidador y educador de la sensibilidad emocional, la inteligencia, la cultura y los sentimientos ... Todos los que aman la música clásica cambiarán después de un tiempo: se volverán más delicados, más inteligentes y su мыслей приобретет большую изощренность, тонкость, нетривиальность".
Кроме всего прочего, музыка, по мнению ведущих американских политологов, приносит обществу огромную прямую экономическую пользу. Музыкальный сегмент американского общества существенно пополняет бюджет США. Так, все предприятия и организации, функционирующие в сфере культуры США, ежегодно зарабатывают 166 млрд. долл., дают работу 5,7 млн. американцев (1,01% от количества занятых в американской экономике) и приносят в бюджет страны около 30 млрд. долл.
¿Y cómo medir en términos monetarios el hecho de que los estudiantes que participan en programas escolares de música tienen menos probabilidades de participar en delitos, el uso de drogas y alcohol? Conclusiones positivas sobre el papel de la música en esta área llegaron, por ejemplo, la Comisión de Drogas y Alcohol del Estado de Texas.
Y finalmente, muchos científicos estadounidenses creen que la música y el arte son capaces de resolver los problemas de la supervivencia global de la humanidad en las nuevas condiciones de civilización. Según el experto en música estadounidense Elliot Eisner (autor de "Implicaciones del nuevo conservadurismo educativo para el futuro de la educación artística", Audiencia, Congreso de los EE. UU., 1984), "solo los profesores de música saben que el arte y las humanidades son El vínculo crucial entre el pasado y el futuro, nos ayuda a preservar los valores humanos en la era de la electrónica y las máquinas ". Una declaración curiosa a este efecto por John F. Kennedy es: "El arte no es para nada una cosa menor en la vida de una nación. Está muy cerca de la trama principal del estado, y es una prueba de fuego que permite evaluar el grado de su civilización".
Es importante señalar que el modelo educativo ruso (especialmente el sistema desarrollado de escuelas de música para niños y escuelas para niños con talento) no encaja con la gran mayoría de los sistemas extranjeros para la selección y capacitación de músicos. Fuera de nuestro país, con raras excepciones (Alemania, China), no se practica un sistema de tres etapas de entrenamiento de músicos, similar al ruso. ¿Qué tan efectivo es el modelo doméstico de educación musical? Se puede entender mucho comparando su experiencia con la práctica de países extranjeros.
La educación musical en los Estados Unidos es una de las mejores del mundo, aunque según algunos criterios, como muchos expertos creen, sigue siendo inferior al ruso.
Por ejemplo, el modelo del Atlántico norte (según algunos criterios esenciales recibió el nombre de "McDonaldización"), con algunas similitudes externas con la nuestra, es más simple en su estructura y, quizás, algo menos efectivo.
A pesar del hecho de que en los EE. UU. Se recomienda que las primeras lecciones de música (una o dos lecciones por semana) se realicen ya en la escuela primaria, pero en la práctica no siempre es así. Aprender música es opcional. En realidad, las clases de música en las escuelas de educación general estadounidenses, como obligatorias, comienzan solo desde el octavo grado, es decir, a la edad de 13-14 años. Esto, incluso según musicólogos occidentales, es demasiado tarde. Según algunas estimaciones, de hecho, 1.3 millones de estudiantes de primaria no tienen la oportunidad de aprender música. Más de 8,000 escuelas públicas en los Estados Unidos no ofrecen clases de música. Como se sabe, la situación en Rusia en este segmento de la educación musical también es extremadamente desfavorable.
La educación musical en los Estados Unidos se puede obtener en conservatorios, institutos, universidades de música, departamentos de música de las universidades y escuelas de música (colegios), muchas de las cuales se incorporan a universidades e institutos. Debe aclararse que estas escuelas / colegios no son análogas a las escuelas de música para niños rusas. Las instituciones de educación musical más prestigiosas de Estados Unidos son el Curtis Institute of Music, la Julliard School, la Berklee College of Music, el New England Conservatory, la Eastman School of Music, el San Francisco Conservatory of Music y otros. En los Estados Unidos, hay más de 20 conservatorios (el nombre mismo del "conservatorio" entre los estadounidenses es demasiado condicional; esto puede ser lo que algunos institutos e incluso universidades pueden llamar). La mayoría de los conservatorios construyen entrenamiento en música clásica. Al menos siete conservatorios están estudiando música moderna. La tarifa (solo para la matrícula) en una de las universidades estadounidenses más prestigiosas de la Escuela Julliard supera los 40 mil dólares al año. Esto es dos o tres veces más alto que en las universidades de música convencional en los Estados Unidos. Cabe destacar que, por primera vez en la historia de Estados Unidos, la Escuela Julliard crea una sucursal en la ciudad de Tianjin (PRC) fuera de los Estados Unidos.
El nicho de la educación musical especial para niños en los Estados Unidos está parcialmente cerrado por las Escuelas Preparatorias, que operan en casi todos los conservatorios principales y "escuelas de música" en los Estados Unidos. Los niños pueden comenzar de jure en las escuelas preparatorias a partir de los seis años. Después de completar los estudios en la Escuela Preparatoria, un estudiante puede inscribirse en una escuela de música y calificar para el título de "Licenciado en Educación Musical" (analogía con el nivel de conocimiento después de tres años de estudios en nuestras universidades), "Master of Music Education (como nuestro programa de maestría)," Doctor Ph . D in Music ”(recuerda vagamente a nuestra escuela de posgrado).
Teóricamente es posible en el futuro crear escuelas de música primarias especializadas en los Estados Unidos sobre la base de la educación general "Escuelas magnet" (escuelas para niños superdotados).
Actualmente, hay 94,000 maestros de música en los Estados Unidos (0.003% de la población total del país). El tamaño de su salario promedio es de 65 mil dólares al año (varía de 33 mil dólares a 130 mil). Según otros, el salario medio es ligeramente inferior. Si calcula la remuneración del profesor de música estadounidense por una hora de enseñanza, el salario promedio será de $ 28.43 por hora.
La esencia del método de enseñanza estadounidense ("McDonaldización"), en particular, es la máxima unificación, formalización y estandarización de la educación. Algunos de los músicos y científicos rusos son especialmente reacios cuando este método lleva a una disminución en la creatividad del estudiante. Sin embargo, el modelo del Atlántico Norte tiene muchas ventajas. Es muy funcional, de buena calidad. Permite al estudiante obtener un nivel relativamente alto de profesionalismo relativamente rápido. Por cierto, un ejemplo de pragmatismo y empresa estadounidenses puede ser el hecho de que los estadounidenses lograron en poco tiempo establecer un sistema de tratamiento de música y elevar la cantidad de terapeutas de música en los Estados Unidos a 7.000.
Además de la tendencia a la baja mencionada anteriormente en la creatividad de los estudiantes, los crecientes problemas con la educación musical en las escuelas de educación general, la comunidad musical estadounidense está preocupada por una reducción en la financiación del presupuesto para el grupo de educación musical. Muchos están preocupados por el hecho de que las autoridades locales y centrales del país no son plenamente conscientes de la importancia de enseñar arte y música a los jóvenes estadounidenses. También existe un grave problema de reclutamiento, capacitación docente y rotación de personal. Algunos de estos problemas fueron examinados por el profesor Paul E. Leyman, decano de la Escuela de Música de la Universidad de Michigan, en su informe en la Audiencia del Congreso de los EE. UU. Sobre el Subcomité de Educación Primaria, Secundaria y Vocacional.
Desde los años 80 del siglo pasado en los Estados Unidos, la cuestión de reformar el sistema nacional para la formación de personal musical ha sido grave. En 1967, en el primer Simposio de Tanglewood, se hicieron recomendaciones sobre cómo aumentar la efectividad de la educación musical. Los planes de reforma en esta área se elaboraron por un período de 40 años. En 2007, después de este período, tuvo lugar la segunda reunión de reconocidos maestros de música, intérpretes, científicos y expertos. El nuevo simposio "Tanglewood II: Planificando el futuro" adoptó una declaración sobre las principales direcciones de la reforma educativa para los próximos 40 años.
En 1999, se llevó a cabo la conferencia científica "The Housewright Symposium / Vision 2020", en la que se intentó desarrollar enfoques para la educación musical por un período de 20 años. Se adoptó una declaración correspondiente.
En 2012, la organización All-American "La Mesa Redonda de Políticas de Educación Musical" fue creada para discutir temas relacionados con la educación musical en las escuelas primarias y secundarias de los EE. Las siguientes asociaciones de músicos estadounidenses les brindan su favor: American String Teachers Association, Sociedad Internacional para la Educación Musical, Sociedad Internacional para la Educación Musical, Asociación Nacional de Maestros de Música.
En 1994, los estándares nacionales de educación musical fueron adoptados (y complementados en 2014). Algunos expertos creen que los estándares están establecidos en términos demasiado generales. Además, estos estándares fueron aprobados solo por una parte de los estados, debido al hecho de que tienen un alto grado de independencia para tomar tales decisiones. Algunos estados han desarrollado sus propios estándares y otros no apoyaron esta iniciativa en absoluto. Esto confirma la tesis de que en el sistema educativo estadounidense es el sector privado, y no el ministerio de educación, el que establece los estándares para la educación musical.
Desde Estados Unidos seremos trasladados a Europa, a Rusia. La Reforma Europea de Bolonia (entendida como un medio para armonizar los sistemas educativos de los países pertenecientes a la Comunidad Europea), habiendo dado los primeros pasos en nuestro país en 2003, se ha estancado. Ella enfrentó su rechazo por una parte significativa de la comunidad musical nacional. Los intentos de arriba, sin un amplio debate, para regular el número de instituciones musicales y profesores de música en la Federación Rusa se encontraron con una resistencia particular.
Hasta ahora, el sistema de Bolonia existe en nuestro entorno musical en un estado prácticamente inactivo. Sus aspectos positivos (comparabilidad de los niveles de formación de los especialistas, movilidad de estudiantes y profesores, unificación de los requisitos para los estudiantes, etc.) se nivelan, como mucha gente cree, mediante sistemas de capacitación modulares, por la “imperfección” del sistema de títulos científicos otorgados sobre la base de la capacitación. Algunos expertos creen que, a pesar de los avances significativos, el sistema de reconocimiento mutuo de certificados de educación sigue siendo incompleto. Estas "inconsistencias" son especialmente percibidas por los estados no miembros de la Comunidad Europea, así como por los países candidatos para ingresar al sistema de Bolonia. Los países que se unen a este sistema tienen un trabajo difícil que hacer para que coincida con el plan de estudios. También deberán resolver el problema que surja como resultado de la introducción de este sistema para reducir el nivel de pensamiento analítico y las actitudes críticas hacia el material educativo entre los estudiantes.
Para una comprensión más fundamental del problema de la bolonización del sistema nacional de educación musical, es recomendable referirse a las obras del famoso musicólogo, pianista y profesor K.V. Zenkina, otros destacados expertos en arte.
En algún momento, sería posible (con ciertas reservas) a la Comunidad Europea, que está apasionada por la idea de unificar los sistemas de educación musical en Europa, con la iniciativa de expandir el alcance geográfico de esta idea, primero a Eurasia y, finalmente, a escalas globales.
En Gran Bretaña, el sistema creativo de formación de músicos ha echado raíces. Profesores de escuelas privadas populares. Hay un pequeño número de escuelas de música para los sábados para niños y varias escuelas de música de élite especializadas, como la escuela Purcell, bajo el patrocinio del Príncipe de Gales. El nivel más alto de educación musical en Inglaterra, como en la mayoría de los países del mundo, en su forma, la estructura tiene mucho en común. Las diferencias se relacionan con la calidad de la enseñanza, los métodos, las formas de educación, el nivel de informatización, los sistemas de motivación de los estudiantes, el grado de control y evaluación de cada estudiante, etc.
En materia de educación musical, Alemania se distingue de la mayoría de los países occidentales con su rica experiencia en educación musical. Por cierto, los sistemas alemán y ruso tienen mucho en común. Como saben, en el siglo XIX, tomamos muchos préstamos de la escuela de música alemana.
Actualmente en Alemania hay una extensa red de escuelas de música. A principios del siglo XXI, su número aumentó a 980 (en comparación, en Rusia hay casi seis mil escuelas de música para niños). Un gran número de ellos son instituciones públicas (estatales) pagadas, administradas por las autoridades de la ciudad y los gobiernos locales. Su estructura curricular está estrictamente regulada. La participación del Estado en su gestión es mínima, simbólica. Aproximadamente 35 mil maestros de estas escuelas enseñan a casi 900 mil estudiantes (en la Federación Rusa en educación profesional superior, los actos normativos establecen la proporción de la facultad con el número de estudiantes de 1 a 10). También hay escuelas de música privadas (más de 300) y comerciales en Alemania. En las escuelas de música alemanas hay cuatro niveles de estudio: elemental (de 4 a 6 años), medio bajo, medio y alto (más alto - gratis). En cada uno de ellos, la formación está diseñada para 2-4 años. La educación musical más o menos completa cuesta a los padres unos 30-50 mil euros.
En cuanto a las escuelas secundarias ordinarias (Gymnasium) y secundarias (Gesamtschule), el curso de música básica (elemental) (el estudiante puede elegir estudiar música o dominar el arte visual o teatral) es de 2 a 3 horas por semana. El curso de música opcional e intensivo ofrece lecciones de 5 a 6 horas por semana. El plan de estudios implica el desarrollo de una teoría general de la música, la notación musical, los conceptos básicos de la armonía. Prácticamente todos los gimnasios y escuelas secundarias tienen una oficina equipada con equipos de audio y video (cada quinto profesor de música en Alemania está capacitado para trabajar con equipos MIDI). Hay varios instrumentos musicales. La capacitación se realiza generalmente en grupos de cinco, cada uno con su propia herramienta. Practicando la creación de pequeñas orquestas.
Es importante tener en cuenta que las escuelas de música alemanas (excepto las públicas) no tienen un solo plan de estudios.
La educación superior (conservatorios, universidades) imparte formación durante 4-5 años. Las universidades se especializan en la formación de profesores de música, conservatorios, artistas y directores. Los graduados defienden un trabajo de tesis (o disertación) y reciben una maestría. Es posible la defensa adicional de la tesis doctoral. En Alemania, hay 17 instituciones de música superior, incluidos cuatro conservatorios y 13 escuelas superiores equiparadas a ellos (aparte de facultades especializadas y departamentos universitarios).
En Alemania, hay demanda y profesores privados. Según el sindicato alemán de maestros independientes, el número de maestros de música privados registrados oficialmente supera las 6.000 personas.
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